Se te ha olvidado decir una cosa del juego que es súper increíble y es que… ¡Se puede jugar con un mando roto, siempre que le funcione la cruceta y un único botón! 
…Y con un mando de máster system,y con un joystick de spectrum…. 
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Más o menos igual que hice yo. Unas 180h y automáticamente empezar una partida para recorrer el camino del mal. 
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Wild Arms
- Plataforma: PlayStation
- Desarrollador: Media.Vision
- Género: RPG
- Lanzamiento: 20 de diciembre de 1996
Argumento
En el árido y salvaje mundo de Filgaia, donde la tecnología antigua convive con la magia y los ecos de civilizaciones perdidas, tres destinos muy distintos están a punto de entrelazarse.
Rudy, un joven con un misterioso poder ligado a las antiguas armas conocidas como ARMs; Jack, un espadachín errante que busca redimirse de su pasado; y Cecilia, una princesa que lucha por proteger su reino, se ven unidos por una amenaza que pone en peligro el equilibrio del mundo.
A medida que avanzan en su viaje, los tres protagonistas deberán enfrentarse a fuerzas oscuras, desentrañar secretos olvidados y descubrir la verdad sobre sí mismos y el destino de Filgaia. En un mundo marcado por la decadencia y la lucha por sobrevivir, sus decisiones serán clave para determinar el futuro de toda la humanidad.
Wild Arms ofrece así una aventura clásica de rol con tintes de western fantástico, donde la exploración, los enigmas y la historia se combinan para crear una experiencia épica y memorable.
Analisis
Cuando uno arranca Wild Arms, hay algo que te atrapa desde el primer segundo. Esa introducción cinemática, con imágenes que parecen sacadas directamente de un anime de los años 90, acompañada de una melodía inolvidable, ya deja claro que no estamos ante un RPG cualquiera. Es una carta de presentación potente, con personalidad, que transmite perfectamente el tono del juego: una mezcla única entre fantasía, ciencia ficción y ese inconfundible aroma a western.
Y es que, nada más tomar el control, el juego no tarda en reafirmarse como uno de los grandes del género. Desde el inicio, nos permite elegir por qué historia comenzar, poniéndonos en la piel de sus tres protagonistas: Rudy, Jack y Cecilia. Este recurso no es solo una curiosidad inicial, sino una base estructural del juego que se va desarrollando a lo largo de la aventura. Las historias se entrelazan, se cruzan y se complementan, obligando al jugador a entender el mundo desde distintas perspectivas y utilizando este enfoque incluso en el diseño de mazmorras y puzles, algo que aporta dinamismo y variedad a la progresión.
En el apartado narrativo, Wild Arms demuestra un cariño especial por su mundo y sus personajes. Nos sitúa en Filgaia, un planeta marcado por el conflicto y amenazado por una entidad demoníaca conocida como Mother, cuya intención es clara: destruirlo todo. A partir de ahí, el juego construye una historia con tintes de western fantástico y ciencia ficción que, sin reinventar la rueda, consigue enganchar gracias a su ritmo y a la implicación emocional que genera. Rudy, Jack y Cecilia no solo cumplen su papel como héroes, sino que destacan por su desarrollo, su trasfondo y la forma en la que evolucionan a lo largo del viaje. Son personajes con identidad, con peso, y eso se nota.
Si hay un apartado donde el juego brilla con luz propia es en su arte. El uso del 2D, heredero de la era de los 16 bits, está tratado con un mimo espectacular. Lejos de quedarse anticuado, el título demuestra que, cuando se hace bien, este estilo puede lucir incluso mejor que muchas propuestas tridimensionales de la época. Detalles como dejar huellas mojadas tras atravesar un charco no solo aportan realismo, sino que reflejan el nivel de cuidado puesto en cada pequeño elemento del juego. Es un apartado visual que, sin necesidad de alardes técnicos, consigue ser memorable. Bien es cierto, que en este punto, tenemos que indicar también, que su mayor pero es el uso de un 3D algo regulero para los combates y la no apuesta por un diseño completamente en 2D también en estas partes, un pequeño borrón.
La música, por su parte, está a la misma altura. La banda sonora de Wild Arms no solo acompaña: construye. Sus claras influencias del western, con melodías que evocan grandes películas del género, encajan a la perfección con la ambientación y elevan cada momento del juego. Ya sea en exploración, combate o escenas clave, cada tema parece pensado para reforzar la emoción de la situación. Es, sin duda, una de esas bandas sonoras que se quedan grabadas.
En lo jugable, el título apuesta por una fórmula clásica y efectiva. Combates por turnos, tres personajes con roles bien definidos, uso de magias, armas y poderosas invocaciones. No hay grandes innovaciones en este aspecto, pero tampoco hacen falta. Todo funciona como debe, de forma sólida y sin complicaciones innecesarias. Donde sí introduce un punto diferencial es en las habilidades únicas de cada personaje fuera del combate. Rudy, Jack y Cecilia no solo luchan: interactúan con el mundo de formas distintas, ya sea colocando bombas, utilizando un gancho o hablando con animales. Este sistema no solo aporta variedad, sino que integra de forma muy natural la exploración y los puzles dentro de la aventura.
En conjunto, Wild Arms no pretende reinventar el género, pero tampoco lo necesita. Su fuerza reside en hacer bien cada uno de sus apartados: una historia sólida, personajes carismáticos, un apartado artístico brillante, una banda sonora memorable y una jugabilidad clásica pero efectiva. Es uno de esos títulos que, sin destacar por una gran revolución, consigue dejar huella por la suma de todas sus partes.
Un viaje inolvidable que cualquier amante del RPG debería experimentar al menos una vez.
Lo mejor
• Historia y personajes
Uno de los grandes pilares de Wild Arms es su narrativa. Sin necesidad de reinventar el género, consigue construir una historia sólida, bien llevada y con ese encanto especial que mezcla western, fantasía y ciencia ficción. El viaje de Rudy, Jack y Cecilia está lleno de momentos memorables, y lo más importante, consigue que el jugador se implique en el destino de Filgaia.
Los personajes destacan especialmente por su carisma y desarrollo. Cada uno tiene su personalidad, su pasado y su forma de afrontar los acontecimientos, lo que hace que el grupo funcione de manera muy natural. No son simples héroes, sino protagonistas con identidad propia que evolucionan a lo largo de la aventura.
• Sonido
La banda sonora es, sin duda, uno de los aspectos más memorables del juego. Con claras influencias del western clásico, cada melodía encaja perfectamente con la ambientación y refuerza la emoción de cada momento.
No se limita a acompañar, sino que eleva la experiencia, haciendo que tanto la exploración como los momentos clave tengan un peso mayor. Es de esas músicas que se quedan en la memoria mucho después de haber terminado el juego.
• Diseño artístico
El apartado visual en 2D es sencillamente brillante. Lejos de envejecer mal, el estilo elegido permite que el juego luzca con un encanto atemporal. Los escenarios están cuidados al detalle y pequeños elementos, como las huellas tras pisar un charco, demuestran el mimo con el que está construido el mundo.
Es un ejemplo perfecto de cómo el 2D bien trabajado puede superar en personalidad a propuestas más ambiciosas técnicamente pero menos cuidadas.
Lo peor
• El cambio a 3D en las batallas
El salto a modelos en 3D durante los combates rompe en cierta medida la coherencia visual del juego. Mientras que el mundo y la exploración en 2D tienen un estilo muy definido y atractivo, las batallas presentan unos modelos que resultan más simples y menos inspirados.
Este contraste puede sacar momentáneamente al jugador de la experiencia, dando la sensación de que el apartado artístico no mantiene el mismo nivel en todos los momentos del juego. No afecta a la jugabilidad, pero sí a la cohesión estética general.
Valoración: 
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La espera ha merecido la pena.
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Xena Warrior Princess
- Plataforma: PlayStation
- Desarrollador: Vivendi
- Género: Hack and slash
- Lanzamiento: 30 de septiembre de 1999
Argumento
Un antiguo mal ha regresado… y solo una guerrera puede detenerlo.
La malvada hechicera Kalabrax ha escapado de su prisión y planea desatar un poder capaz de cambiar el destino del mundo. Para lograrlo, necesita un sacrificio… y su objetivo es Gabrielle, la fiel compañera de Xena.
Ahora, Xena deberá embarcarse en una peligrosa aventura a través de tierras infestadas de enemigos, criaturas mitológicas y ejércitos despiadados. Con su espada y su icónico chakram, luchará contra todo tipo de amenazas para rescatar a su amiga y evitar que el mal reine sobre la Tierra.
Analisis
Jugar a Xena: Warrior Princess es, ante todo, un viaje directo a la nostalgia. No tanto por lo que ofrece como videojuego, sino por lo que representa. Es de esos títulos que te transportan automáticamente a otra época: sábados por la mañana, desayuno delante de la tele con cola cao, galletas dinosaurio o donuts rancios del ultramarinos de la aldea y la sensación de estar viendo —y ahora también jugando— un capítulo más de una serie que en su momento estaba en plena popularidad. Ese es, probablemente, su mayor logro.
Porque si algo tiene este juego es una base interesante, con buenas ideas sobre el papel y una licencia potente detrás. Sin embargo, la ejecución no siempre está a la altura de lo que podría haber sido.
Uno de los aspectos más destacables es, sin duda, el doblaje al castellano. En una época donde no era habitual encontrar juegos completamente doblados, contar con las voces en español —y además con ese tono característico de la serie— es un añadido que suma muchísimo a la experiencia. No solo aporta autenticidad, sino que refuerza la inmersión y ayuda a que la historia se sienta más cercana. Es un detalle que, visto con perspectiva, tiene mucho valor.
A nivel visual, el juego cumple dentro de su contexto. Durante el gameplay, los escenarios y modelos son correctos para la época, sin grandes alardes pero también sin resultar desagradables. Donde sí se nota más el paso del tiempo es en las cinemáticas, especialmente en los rostros, que pueden resultar algo toscos o poco expresivos. Aun así, es un apartado que se deja ver y que no llega a romper del todo la experiencia.
En cuanto a la jugabilidad, nos encontramos con un sistema sencillo y directo. Xena dispone de un repertorio básico de acciones: cubrirse, atacar con espada, realizar patadas y combinar estos movimientos para ejecutar distintos combos. A esto se suma el uso del chakram, uno de los elementos más icónicos del personaje, que incluso puede dirigirse tras ser lanzado, aportando un pequeño toque diferencial. Sobre el papel, hay ideas interesantes, pero en la práctica todo se queda en una ejecución bastante justa.
Y es aquí donde aparecen los principales problemas. La cámara es, directamente, uno de los grandes enemigos del jugador. Mal posicionada en muchas ocasiones, dificulta la visibilidad y entorpece el control, algo que se agrava especialmente en las secciones de salto. Estas partes, en lugar de aportar variedad, se convierten en un pequeño suplicio que rompe el ritmo del juego y genera frustración innecesaria.
La historia, por su parte, encaja perfectamente dentro del universo de la serie. Podría pasar sin problemas por uno o varios episodios, con ese tono de aventura mitológica ligera y accesible. No busca grandes complejidades, pero cumple su función, y nuevamente el doblaje ayuda mucho a que resulte más disfrutable.
Donde el juego termina de quedarse corto es en su duración y dificultad. Es un título extremadamente fácil, que no presenta apenas resistencia al jugador y que puede completarse en muy pocas horas. La sensación es clara: se acaba demasiado pronto. Es de esos juegos que, en su época, podían dejar un regusto algo amargo si llegaban como regalo, porque la experiencia se consumía casi de una sentada. Imaginate recibirlo por Papa Noel y que no llegue ni a Reyes…
En definitiva, Xena: Warrior Princess es un juego que vive más de su contexto y de su licencia que de sus virtudes jugables. Tiene detalles destacables, como el doblaje o algunas ideas interesantes en combate, pero se ve lastrado por problemas técnicos, una ejecución irregular y una duración muy limitada.
Un título curioso, con encanto nostálgico, pero que se queda lejos de lo que podría haber sido con un poco más de ambición y pulido.
Lo mejor
• Doblaje
Uno de los aspectos más destacables del juego. Contar con doblaje al castellano en aquella época ya era algo poco habitual, pero además aquí cumple con creces. Las voces encajan perfectamente con el tono de la serie y ayudan enormemente a la inmersión.
Gracias a esto, la historia se siente más cercana y auténtica, como si realmente estuvieras jugando un episodio de la serie. Es un añadido que, sin ser jugable, eleva bastante la experiencia general.
• Licencia
El universo de Xena: Warrior Princess es, sin duda, uno de los mayores atractivos del juego. Para quienes vivieron la serie en su momento, supone un golpe directo a la nostalgia.
Personajes, ambientación y tono están bien representados, y el juego consigue transmitir esa sensación de estar dentro de un capítulo más. Es precisamente esta fidelidad la que sostiene gran parte del interés del título.
Lo peor
• Jugabilidad tosca
Aunque sobre el papel hay ideas interesantes —combos, uso del chakram, distintas acciones—, en la práctica todo se siente algo rígido y poco pulido. Los movimientos no terminan de fluir como deberían y el control general resulta limitado, lo que impide que el combate llegue a ser realmente satisfactorio.
• Cámara horrible
Probablemente el mayor problema del juego. La cámara falla en momentos clave, dificultando la visibilidad y afectando directamente al control.
Este problema se agrava especialmente en las secciones de salto, donde calcular distancias o posicionarse correctamente se convierte más en una lucha contra el propio juego que en un reto bien diseñado.
• Fácil y corto
La baja dificultad hace que el juego apenas suponga un desafío, y su corta duración refuerza esa sensación de experiencia incompleta.
Es un título que puede terminarse en muy pocas horas, dejando la impresión de que podría haber ofrecido mucho más. Para su época, esto era especialmente relevante, ya que reducía considerablemente su valor como producto. Creo que es más larga esta reseña que el propio juego.
Valoración: y media (aceptable - justito)
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Entro, veo que están puestas y me voy.
Las castañas.
The Adventures of Alundra
- Plataforma: PlayStation
- Desarrollador: Matrix Software
- Género: Acción-RPG
- Lanzamiento: 12 de junio de 1998
Argumento
Tras sobrevivir a un naufragio, un misterioso joven llamado Alundra llega al tranquilo pueblo de Inoa. Sin embargo, lo que parece un lugar pacífico esconde una terrible maldición: sus habitantes están siendo atormentados por pesadillas que acaban llevándolos a la muerte.
Dotado de la capacidad de introducirse en los sueños de otras personas, Alundra se convierte en la única esperanza para desentrañar el origen de este mal. A medida que explora los miedos y recuerdos de los aldeanos, descubrirá que una oscura fuerza se cierne sobre el mundo, vinculada a antiguos dioses y a un poder olvidado que amenaza con destruirlo todo.
En un viaje lleno de peligros, enigmas y revelaciones, Alundra deberá enfrentarse no solo a monstruos y trampas, sino también a los secretos más profundos del alma humana, en una lucha desesperada por salvar Inoa… y el destino de todo un mundo.
Analisis
Cuando uno se sienta frente a su PlayStation y comienza The Adventures of Alundra, es prácticamente inevitable que la mente viaje directamente a Hyrule y a las aventuras de cierto héroe vestido de verde. La comparación está ahí, es evidente, tanto en lo visual como en lo jugable. Sin embargo, lo realmente importante es que Alundra no se queda en una simple inspiración: se sostiene por sí mismo como un título sólido, con identidad propia y con una calidad que lo convierte en uno de los grandes del sistema.
Desde sus primeros compases, el juego deja claro que uno de sus pilares es la historia. La trama nos introduce en el pueblo de Inoa, envuelto en una atmósfera inquietante marcada por pesadillas y una amenaza creciente representada por Melzas. Lejos de ser una narrativa superficial, el juego consigue generar interés desde el principio, empujando al jugador a avanzar, a descubrir y a implicarse en lo que está ocurriendo. Es una historia que engancha, que mantiene el ritmo y que sabe dosificar bien sus momentos.
Los personajes juegan un papel fundamental en este aspecto. Tanto protagonistas como secundarios y antagonistas están bien construidos, con personalidad y peso dentro del mundo. No son simples figuras de relleno: aportan matices, generan empatía y ayudan a que el conflicto tenga más fuerza. Este cuidado en la construcción de personajes es, sin duda, uno de los elementos que elevan la experiencia.
En el apartado visual, Alundra es simplemente sobresaliente. Su apuesta por un diseño en 2D con vista cenital, extremadamente pulido, demuestra que no hacía falta dar el salto al 3D para ofrecer una experiencia visual impactante. Cada escenario, cada animación y cada detalle están tratados con mimo, dando como resultado un juego que, incluso hoy, sigue siendo atractivo. Es uno de esos casos donde el estilo artístico envejece mejor que muchas propuestas técnicamente más ambiciosas.
La música y el sonido acompañan perfectamente esta propuesta. Sin necesidad de grandes alardes, la banda sonora cumple con nota, reforzando la ambientación y acompañando cada momento del juego. Es un apartado que, junto al visual, ayuda a construir una experiencia muy cohesionada.
En cuanto a la jugabilidad, el título apuesta por una fórmula clásica pero tremendamente bien ejecutada. El control es preciso, los movimientos son fluidos y el combate responde como debe. No hay una revolución en este aspecto, pero sí una sensación constante de pulido y de buen hacer. A esto se suma un sistema de armas y habilidades que se va ampliando progresivamente, aportando variedad y manteniendo el interés a lo largo de la aventura.
Sin embargo, no todo es perfecto. El punto más criticable del juego aparece en su diseño de niveles, especialmente en su tramo final. Tanto el mundo exterior como algunas mazmorras pueden volverse excesivamente laberínticos, lo que rompe el ritmo de la aventura. En lugar de ser un reto satisfactorio, en ocasiones se convierte en una experiencia tediosa, donde avanzar se basa más en encontrar el camino correcto que en disfrutar del proceso. Incluso con guía, hay momentos en los que la progresión puede resultar confusa y frustrante.
Aun con este inconveniente, Alundra se mantiene como un título imprescindible dentro del catálogo de PlayStation. Es un juego que no necesita reinventar el género para destacar, sino que basa su fuerza en ejecutar con gran calidad cada uno de sus apartados: historia, personajes, arte, música y jugabilidad.
Un clásico que, con sus virtudes y pequeños defectos, sigue siendo una experiencia obligatoria para cualquier amante de las aventuras con tintes RPG.
Lo mejor
• Arte gráfico
Uno de los aspectos más sobresalientes de Alundra. Su estilo en 2D con vista cenital está cuidado con un mimo espectacular, demostrando que no hacía falta apostar por el 3D para brillar en la época.
Escenarios, animaciones y pequeños detalles están trabajados con precisión, dando como resultado un juego visualmente muy atractivo que, además, ha envejecido de forma excelente. Es de esos títulos donde el apartado artístico no solo cumple, sino que define su identidad.
• Historia y personajes
La narrativa es uno de los grandes motores del juego. Desde el inicio, consigue atrapar al jugador con un tono más oscuro de lo habitual, generando interés por descubrir qué ocurre en Inoa y cuál es el papel de Alundra en todo ello.
Los personajes están bien construidos y aportan peso al conjunto. No son simples acompañantes, sino piezas importantes dentro del desarrollo de la historia, lo que hace que el mundo se sienta más vivo y que el conflicto tenga mayor impacto.
• Sonido
La banda sonora acompaña perfectamente la aventura, reforzando tanto los momentos de exploración como los más intensos.
Sin ser excesivamente llamativa, cumple su función con eficacia, creando atmósfera y ayudando a que el jugador se sumerja aún más en el mundo del juego. Es un apartado sólido que suma en todo momento.
• Jugabilidad
El control es preciso, fluido y muy bien pulido. Moverse, atacar y explorar se siente natural desde el primer momento, lo que hace que la experiencia sea muy satisfactoria.
Aunque no innova en exceso, todo lo que propone está bien ejecutado. El sistema de armas y habilidades añade variedad y mantiene el interés durante toda la aventura, demostrando que una base clásica, bien hecha, puede ser más que suficiente.
Lo peor
• Laberíntico
El principal punto negativo del juego aparece en su diseño de niveles, especialmente en el tramo final. Algunas zonas, tanto en el mundo exterior como en las mazmorras, se vuelven excesivamente complejas y enrevesadas.
Esto puede romper el ritmo de la aventura, haciendo que avanzar dependa más de encontrar el camino correcto que de disfrutar del proceso. En lugar de suponer un reto estimulante, en ciertos momentos se convierte en algo tedioso e incluso frustrante.
VALORACION:
5 Me gusta
Broken Sword - La leyenda de los Templarios
- Plataforma: PlayStation / PC
- Desarrollador: Revolution Software
- Género: Aventura gráfica
- Lanzamiento: 5 de noviembre de 1996
Argumento
París. Un tranquilo café. Una explosión lo cambia todo.
George Stobbart, un turista americano que pasaba por allí por casualidad, se ve envuelto en una misteriosa conspiración tras presenciar un atentado aparentemente sin sentido. Lo que comienza como una simple investigación pronto se convierte en una peligrosa búsqueda a través de Europa y Oriente Medio.
Acompañado por la periodista Nicole Collard, George se adentrará en una intrincada red de secretos, asesinatos y sociedades ocultas que se remontan a los antiguos Caballeros Templarios.
Entre enigmas, traiciones y oscuros intereses, descubrir la verdad será la única forma de sobrevivir… porque algunas conspiraciones nunca desaparecen, solo esperan en las sombras.
Analisis
Hablar de Broken Sword es, para muchos, hablar de uno de los grandes referentes de la aventura gráfica clásica. En este caso, además, lo hago desde una perspectiva muy especial: la de revisitar el juego años después, tras haberlo disfrutado en su momento en PC, la edición que me llegó en un periódico, pero experimentándolo ahora por primera vez en su versión de PlayStation. Y lo cierto es que, pese a sus particularidades, sigue manteniendo intacta gran parte de su magia.
Lo primero que llama la atención nada más empezar es su apartado visual. Los escenarios están diseñados con un estilo “cartoon” que resulta tremendamente agradable a la vista. Cada localización está dibujada con mimo, con un nivel de detalle que invita a detenerse, observar y disfrutar del entorno. Es uno de esos juegos donde el arte no solo acompaña, sino que define la experiencia, y que además ha envejecido de forma excepcional.
En el apartado sonoro encontramos otro de sus grandes pilares. La banda sonora encaja perfectamente con cada situación, acompañando la acción sin resultar intrusiva. Pero si hay algo que realmente destaca es su doblaje al castellano. Icónico, lleno de personalidad y con una localización excelente, consigue elevar aún más el conjunto. Los diálogos están cargados de humor, con chascarrillos y momentos memorables que hacen que la aventura no solo sea interesante, sino también tremendamente entretenida.
Y es que, si por algo brilla Broken Sword, es por su historia y sus personajes. La trama, que mezcla conspiraciones, misterio y elementos históricos, está perfectamente construida y mantiene el interés de principio a fin. A esto se suma un elenco de personajes —tanto protagonistas como secundarios— que desprenden carisma y están muy bien escritos. George y Nico funcionan a la perfección como eje central, pero el resto del reparto no se queda atrás, aportando riqueza y variedad a la aventura. Es una historia que engancha, que divierte y que deja huella.
Sin embargo, no todo es perfecto en esta versión. La adaptación a PlayStation arrastra algunas limitaciones claras. Las cargas entre escenarios son constantes, algo que rompe el ritmo de la experiencia y que se hace especialmente evidente si se compara con la versión original de PC.
Además, el control con mando —o incluso con los ratones compatibles de la consola— no termina de sentirse tan preciso ni cómodo como el uso clásico del ratón en ordenador. Esto se nota especialmente en aquellos momentos donde se requiere rapidez, pudiendo generar cierta frustración en situaciones puntuales.
A pesar de estos inconvenientes, Broken Sword sigue siendo una aventura imprescindible. Su historia, su apartado artístico y su inolvidable doblaje hacen que, incluso con las limitaciones de la versión de PlayStation, siga siendo una experiencia que merece la pena revisitar.
Un clásico atemporal que demuestra que, cuando una base es tan sólida, ni el paso del tiempo ni las limitaciones técnicas consiguen empañar lo realmente importante: una gran historia bien contada.
Lo mejor
• Apartado gráfico
Uno de los elementos más llamativos de Broken Sword.
Los escenarios tienen un estilo “cartoon” precioso, con un nivel de detalle y un cuidado artístico que hacen que cada localización sea un placer de recorrer. Es un juego que entra por los ojos desde el primer momento y que, además, ha envejecido de forma excepcional.
• Doblaje
Simplemente icónico. El doblaje al castellano es uno de los grandes pilares del juego.
La calidad de la localización, los diálogos llenos de humor y los chascarrillos hacen que la experiencia gane muchísimo. Es de esos doblajes que se quedan grabados y elevan el título a otro nivel.
• Historia y personajes
El corazón del juego. La trama, llena de misterio, conspiraciones y referencias históricas, está perfectamente construida y engancha de principio a fin.
A esto se suma un elenco de personajes con muchísimo carisma, tanto protagonistas como secundarios. George y Nico brillan, pero todo el reparto aporta personalidad y hace que la aventura sea divertida, interesante y muy memorable.
• Banda sonora
La música acompaña perfectamente cada momento del juego.
Sin ser excesivamente protagonista, refuerza la ambientación y ayuda a sumergirte aún más en la historia, funcionando como un complemento ideal para el conjunto.
Lo peor
• Tiempos de carga
Uno de los mayores problemas de esta versión. Las constantes cargas entre escenarios rompen el ritmo de la aventura y pueden llegar a hacerse pesadas.
Es una limitación clara del hardware que se nota especialmente si se compara con la versión de PC.
• Control
El manejo con mando —o incluso con periféricos compatibles— no termina de estar a la altura.
Se siente más tosco e impreciso que el control clásico con ratón, y en los momentos donde se requiere rapidez puede generar frustración. No arruina la experiencia, pero sí la empeora respecto a su versión original.
VALORACION: y media
4 Me gusta
Broken Sword 2 - Las fuerzas del mal
- Plataforma: PlayStation / PC
- Desarrollador: Revolution Software
- Género: Aventura gráfica
- Lanzamiento: 17 de octubre de 1997
Argumento
Una misteriosa expedición. Un antiguo artefacto. Y un peligro que ha permanecido oculto durante siglos.
George Stobbart y la periodista Nicole Collard vuelven a cruzar sus caminos cuando una serie de extraños acontecimientos los arrastra a una nueva conspiración. Lo que comienza como una investigación aparentemente aislada pronto se convierte en una carrera contra el tiempo para desentrañar un oscuro secreto vinculado a antiguas civilizaciones y rituales olvidados.
Desde las selvas de Centroamérica hasta las calles de Europa, George y Nico deberán enfrentarse a una amenaza que trasciende la historia… y que podría cambiar el destino de la humanidad.
Porque hay verdades que nunca debieron ser descubiertas.
Analisis
Tras el enorme éxito del primer título, Broken Sword II recoge todo lo que funcionaba y lo potencia, ofreciendo una continuación que mantiene intacta la esencia de la saga. Volvemos a acompañar a George Stobbart y Nicole Collard en una nueva aventura, esta vez aún más peligrosa y con un tono que, sin perder el humor característico, se adentra en una trama más oscura y peculiar.
Desde el inicio, el juego deja claro que sigue la misma línea que su predecesor, pero con un pequeño lavado de cara en el apartado gráfico. Los escenarios mantienen ese estilo “cartoon” tan reconocible, pero con un mayor nivel de detalle y una presentación más pulida. El resultado es un juego aún más vistoso, que entra por los ojos y que sigue demostrando lo bien que le sienta este enfoque artístico a la saga.
En cuanto a la historia, estamos nuevamente ante uno de sus grandes puntos fuertes. La trama es trepidante, llena de misterio y con ese toque de conspiración que tan bien funciona en la franquicia. Además, el reencuentro con personajes conocidos del primer juego aporta un extra muy agradable para quienes ya disfrutaron de la entrega original. Todo está bien hilado, manteniendo el interés constante y reforzando el vínculo con sus protagonistas.
Los personajes vuelven a brillar con luz propia. George y Nico mantienen su carisma intacto, y el conjunto del elenco —tanto nuevo como recurrente— sigue estando muy bien construido. La combinación de diálogos ingeniosos, situaciones absurdas y momentos más serios logra un equilibrio perfecto que hace que la aventura sea tan divertida como interesante.
El apartado sonoro vuelve a estar a un nivel sobresaliente. La música acompaña perfectamente cada escena, los efectos cumplen con creces y, una vez más, el doblaje al castellano se convierte en uno de los grandes protagonistas. Con una localización excelente y un tono lleno de humor, consigue regalar momentos realmente memorables, arrancando más de una carcajada y reforzando la personalidad del juego.
Sin embargo, al igual que ocurría con la primera entrega en PlayStation, esta versión arrastra sus principales problemas en el apartado técnico. Los tiempos de carga entre escenarios vuelven a ser constantes, rompiendo el ritmo de la aventura y recordando las limitaciones del hardware.
A esto se suma un control que, aunque funcional, no alcanza la precisión y comodidad de la versión de PC. En una aventura gráfica donde la fluidez es clave, este aspecto se nota, especialmente en momentos donde se requiere rapidez.
A pesar de estos inconvenientes, Broken Sword II se mantiene como una secuela a la altura, que no solo respeta el legado del original, sino que lo amplía con acierto. Una aventura imprescindible para los amantes del género, que vuelve a demostrar que la saga sabía perfectamente cómo enganchar al jugador.
Lo mejor
• Historia
La trama vuelve a enganchar desde el primer momento, con un enfoque más oscuro y peculiar que en la primera entrega. Mantiene ese aire de misterio y conspiración que tan bien funciona, consiguiendo que quieras avanzar constantemente para descubrir qué está pasando.
• Personajes
El elenco vuelve a estar a un nivel altísimo. George y Nico mantienen todo su carisma, y el regreso de personajes del primer juego es un añadido muy bien recibido.
Tanto protagonistas como secundarios están perfectamente construidos, aportando personalidad, humor y peso a la historia.
• Apartado gráfico
El pequeño lavado de cara respecto al anterior título se nota.
Se mantiene el estilo “cartoon” tan característico, pero con escenarios más detallados y una presentación más pulida, haciendo que el juego resulte aún más vistoso y agradable visualmente.
• Sonido y doblaje
De nuevo, sobresaliente. La banda sonora acompaña perfectamente cada situación, pero el gran protagonista vuelve a ser el doblaje al castellano.
Con una localización excelente y diálogos llenos de humor, consigue elevar la experiencia y regalar momentos realmente memorables.
Lo peor
• Tiempos de carga
Al igual que en la primera parte, las cargas entre escenarios son constantes y rompen el ritmo de la aventura.
Es una limitación clara de la versión de PlayStation que lastra ligeramente la experiencia.
• Control
El manejo no termina de estar a la altura de la versión de PC.
Se siente más tosco e impreciso, y en ciertos momentos donde se requiere rapidez puede resultar algo frustrante. No arruina el juego, pero sí empaña ligeramente la experiencia.
VALORACION: y media
4 Me gusta
Puntualizar que en ambos Broken Sword la nota está basada en la versión de PlayStation, en la de PC le casco un sobresaliente sin despeinarme a ambos, del 9 no bajan.
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Castlevania: Symphony of the Night
- Plataforma: PlayStation / Sega Saturn
- Desarrollador: Konami
- Género: Metroidvania
- Lanzamiento: 20 de marzo de 1997
Argumento
El castillo de Drácula ha regresado… y con él, una nueva amenaza se alza en la oscuridad.
Richter Belmont, legendario cazador de vampiros, ha desaparecido misteriosamente tras su última batalla. Mientras el caos se extiende, Alucard, el hijo del propio Drácula, despierta de su letargo decidido a enfrentarse al legado de su padre y descubrir la verdad tras la resurrección del castillo.
Adentrándose en un laberinto lleno de criaturas, secretos y poderes ocultos, Alucard deberá explorar cada rincón de la fortaleza, desentrañar sus misterios y enfrentarse a fuerzas que desafían la razón.
Porque en las sombras del castillo… nada es lo que parece.
Analisis
Hablar de Castlevania: Symphony of the Night es hacerlo de algo más que un simple videojuego. Es hablar de una obra que, junto a la saga Metroid, ayudó a definir un género entero. Pero más allá de etiquetas, estamos ante uno de esos títulos que trascienden su época y se colocan, sin discusión, entre los mejores juegos de la historia.
Desde el primer momento, el juego desprende una personalidad arrolladora. Todo en él está construido con un nivel de calidad que roza lo sobresaliente. La historia, sin necesidad de ser excesivamente compleja, funciona como el hilo conductor perfecto para adentrarnos en el castillo de Drácula, mientras seguimos los pasos de Alucard en su enfrentamiento contra el legado de su propio padre.
Los personajes son otro de los grandes pilares del juego. Alucard, Drácula, Maria o Richter Belmont no son simples figuras dentro del relato: son iconos. Cada uno aporta peso, presencia y carácter a una aventura que, aunque centrada en la exploración, nunca descuida su narrativa ni su ambientación.
El apartado sonoro es, sencillamente, magistral. La banda sonora es épica, variada y perfectamente integrada en cada zona del castillo. Cada melodía acompaña, eleva y da identidad a los escenarios, convirtiéndose en uno de los elementos más memorables del juego. Es de esas músicas que no solo acompañan, sino que permanecen contigo mucho después de apagar la consola.
En lo visual, el juego es una auténtica obra de arte. El diseño en 2D está cuidado al máximo, con escenarios detallados, animaciones fluidas y una dirección artística impecable. Es un ejemplo perfecto de cómo el buen hacer artístico puede superar cualquier limitación técnica y mantenerse vigente con el paso del tiempo.
Pero si hay algo que realmente hace grande a este título es su jugabilidad. Explorar el castillo, descubrir secretos, desbloquear habilidades y avanzar poco a poco por un mapa interconectado es una experiencia adictiva y tremendamente satisfactoria. Cada rincón invita a ser descubierto, cada mejora abre nuevas posibilidades, y todo está diseñado para que el jugador quiera seguir avanzando constantemente.
Es uno de esos juegos que no se agotan. Da igual cuántas veces lo juegues: siempre encuentras algo nuevo, siempre apetece volver. Tiene esa capacidad especial de enganchar, de absorberte y de hacer que pierdas la noción del tiempo mientras exploras sus pasillos.
Castlevania: Symphony of the Night no es solo un gran juego de PlayStation. Es una de las razones por las que muchos llegaron a enamorarse de este medio. Un título imprescindible, eterno, y una auténtica obra maestra.
Lo mejor
• Historia y personajes
La historia, aunque aparentemente sencilla, está llena de fuerza y personalidad, apoyada por un elenco de personajes icónicos como Alucard, Drácula, Maria o Richter Belmont. Cada uno aporta peso y carisma, haciendo que la aventura tenga una identidad propia que engancha desde el primer momento.
• Diseño de arte y gráficos
Un auténtico espectáculo visual.
El trabajo en 2D es sobresaliente, con escenarios detallados, animaciones fluidas y una dirección artística impecable. Es uno de esos juegos que demuestra que el buen arte no envejece, manteniéndose espectacular incluso a día de hoy.
• Sonido
Simplemente magistral.
La banda sonora es épica, variada y perfectamente integrada en cada zona del castillo. Cada melodía refuerza la ambientación y convierte la experiencia en algo aún más memorable. Es, sin duda, una de las mejores OST de la historia del videojuego.
• Jugabilidad
Aquí es donde el juego alcanza la excelencia absoluta.
La exploración del castillo, la progresión del personaje, la obtención de habilidades y el diseño del mapa interconectado crean una experiencia adictiva y tremendamente satisfactoria. Es un juego que invita a volver una y otra vez, siempre con algo nuevo que descubrir.
Lo peor
• Su precio en formato físico
El único “pero”… y no es culpa del juego.
Conseguir una copia original de PS1 hoy en día implica dejarse una buena cantidad de dinero. Es un título muy cotizado y convertido en pieza de coleccionista, hasta el punto de que casi hay que vender un riñón para hacerse con él
VALORACION: (OBRA MAESTRA)
5 Me gusta
Mira que no hace un año que le volví a terminar y leyendo la review me dan ganas de volver a jugarlo , que pedazo de joya, da igual cuando lo leas!
1 me gusta
Crash Bandicoot
- Plataforma: PlayStation
- Desarrollador: Naughty Dog
- Género: Plataformas
- Lanzamiento:
9 de septiembre de 1996
8 de noviembre de 1996
Argumento
En una remota isla del Pacífico, un experimento ha salido terriblemente mal… o quizás demasiado bien.
El malvado Doctor Neo Cortex y su ayudante N. Brio han creado una máquina capaz de transformar animales en criaturas inteligentes y poderosas. Pero uno de sus experimentos, un bandicut llamado Crash, consigue escapar antes de ser controlado.
Ahora, Crash deberá recorrer peligrosas selvas, ruinas antiguas y laboratorios infestados de trampas para detener los planes de Cortex y rescatar a Tawna, su compañera capturada.
Entre plataformas imposibles, enemigos disparatados y desafíos constantes, solo hay una cosa clara: si alguien puede salvar el día… es este marsupial fuera de control.
Analisis
Hablar de Crash Bandicoot es hablar de uno de los grandes iconos de la primera PlayStation. Lo recuerdo, como el equivalente a lo que representaban Mario en Nintendo o Sonic en Sega: una auténtica mascota de la consola. Un personaje carismático que no solo definió una época, sino que ayudó a consolidar la identidad de Sony en el mundo de los videojuegos. Yo, por lo menos, asociaba al bueno de Crash con PlayStation.
A primera vista, su estética desenfadada y su protagonista tan “amigable” pueden llevar a pensar que estamos ante un juego sencillo. Nada más lejos de la realidad. A medida que avanzas, especialmente en sus fases finales, el juego eleva notablemente la dificultad, obligándote a afinar reflejos y precisión. Es un título que pone a prueba al jugador, y que recompensa la constancia.
En el apartado gráfico, y teniendo en cuenta el año en el que salió, estamos ante una auténtica delicia. El uso del 3D fue muy inteligente: en lugar de apostar por una libertad total de movimiento, el juego opta en muchas fases por una perspectiva desde atrás, guiando al jugador hacia adelante. Esta decisión no solo le da personalidad, sino que también permite un control más medido del diseño de niveles. Es un enfoque distinto al plataformas clásico en 2D, y funciona sorprendentemente bien.
A esto se le suma una estructura con fases bien diseñadas y la inclusión de jefes finales, algo que ya había demostrado funcionar en otros títulos del género como el fabuloso Donkey Kong Country. El resultado es un ritmo de juego muy equilibrado, donde cada nivel propone un reto claro y mantiene el interés constante.
El apartado sonoro cumple con creces. Las melodías son pegadizas y encajan perfectamente con el tono del juego, mientras que los efectos aportan ese toque de personalidad que hace que todo resulte más vivo. Sin ser el aspecto más destacable, acompaña muy bien al conjunto.
La historia, aunque sencilla, cumple su función. Es divertida, directa y está apoyada por un elenco de personajes bien diseñados que aportan carisma y hacen que el viaje tenga más encanto. No pretende ser compleja, pero sí efectiva, y lo consigue.
Pero donde realmente brilla Crash Bandicoot es en el diseño de sus fases. Cada nivel está pensado para ser divertido, desafiante y variado. Es aquí donde el juego demuestra su verdadero valor, porque al final, lo más importante en un plataformas es que jugarlo sea divertido… y en este caso lo es, y mucho.
En conjunto, estamos ante un título que no solo marcó una época, sino que sigue siendo perfectamente disfrutable hoy en día. Un clásico que definió a toda una generación y que dejó una huella imborrable en la historia de los videojuegos.
Lo mejor
• Personajes
Desde el propio Crash hasta villanos como Cortex, el juego cuenta con un elenco muy bien diseñado, lleno de personalidad y fácilmente reconocible. Son personajes que, con el tiempo, han acabado convirtiéndose en auténticos iconos del videojuego.
• Diseño de niveles
Cada fase está cuidadosamente diseñada para ofrecer un reto claro, variado y progresivo. La combinación de plataformas, trampas y enemigos hace que cada nivel sea entretenido y desafiante, manteniendo siempre el interés del jugador.
• Jugabilidad
El enfoque en 3D con perspectiva guiada fue un gran acierto, ofreciendo una experiencia distinta al plataformas tradicional en 2D. El control es preciso y el juego responde bien, haciendo que superar cada obstáculo resulte muy satisfactorio.
Lo peor
• Dificultad hacia el final
Las últimas fases exigen mucha precisión y pueden llegar a frustrar, especialmente para jugadores menos experimentados. Es un reto que puede hacerse cuesta arriba.
• Puede ser difícil arrancar
Aunque el juego engancha, los primeros compases pueden no resultar tan accesibles como parece a simple vista.
El control y la perspectiva requieren un pequeño periodo de adaptación, y hasta que te haces a ellos, puede costar entrar del todo en la experiencia. Además, el movimiento de giro puede no responder todo lo bien que queremos.
VALORACION: y media
6 Me gusta
Buen análisis como siempre, aunque este juego es tan nostálgico para mi que soy incapaz de darle no menos de cuatro castañas 
En mi opinión el control mejora mucho en el segundo, Crash se nota mucho más fluido y en el primero da la sensación de que “pesa” más.
P.D: el año pasado me metí tal viciada que me lo pasé en una semana, aunque claro me lo sé ya casi de memoria
2 Me gusta
Le tenia 4 pero estaba ahora haciendo las del 2 y el 3 y… 
2 Me gusta
El 2 podría decir que es mi favorito muy a la par con el 3, aunque el 2 recicla algunos escenarios e ideas del primero, el 3 es mas original en eso
1 me gusta